Его палитра – черный, белый, умбра и сепия, а его акварели так легки и наполнены жизнью! Как он это делает? Художник Мигель Риос рассказывает о работе с акварелью, обо всем, что так волнует начинающих художников: о своих любимых кистях и палитре, о красках и акварельной бумаге, о том, как найти свой стиль и добиться успеха.
Творческая встреча с известным испанским художником Мигелем Риосом прошла недавно в Москве. Полностью наш видео-отчет об этом событии вы можете посмотреть здесь Творческая встреча с Miguel Linares Rios
А ниже мы публикуем самые интересные выдержки из почти двухчасовой беседы с художником! В этой печатной версии мы сохранили стиль и интонации Мигеля. Знакомьтесь – эмоциональный и искренний Мигель Риос.
Вот что рассказал Мигель Риос о себе и своей семье:
– Я из очень простой семьи. Родился я в Малаге в простом бедном районе. С самого детства всегда рисовал. Даже в школьных учебниках я тоже рисовал и меня за это ругали. Я начинал как бедный художник. У меня не было денег на то, чтобы купить какие-то художественные материалы, и тем более на то, чтобы посещать занятия. Всему чему я научился, я научился сам. У меня никогда не было учителей, ни одного!
Об образовании:
– Я не получал никакого художественного образования. Где-то в 15 лет я стал ходить в библиотеку, брал там книги по искусству, читал о технике живописи. Купить книги я не мог, поэтому ходил также в книжные магазины (причем, в разные, чтобы никто не заподозрил) и там читал. Теперь у меня много книг – я купил все те книги, которые раньше видел в магазинах!
– Сначала я занимался графикой, рисовал карандашом, а в 20 лет начал писать маслом. Первые картины были маленькими, в них вкладывалось много усилий. А начинал я с гиперреализма, мои работы были похожи на фотографии. Это мне очень помогло делать рисунок, строить композицию и подбирать цвет. Но испанский характер – эмоциональный, и через какое-то время мне стало не интересно и скучно работать в этой технике, и я стал упрощать и упрощать стиль.
Без учителей технике научиться сложно, нужно 3-4 года непрерывно практиковаться. Например, 3-4 года я занимался только пастелью. Пробовал разные виды бумаги, цвета – как они смешиваются. То же самое с акварелью, акрилом, маслом – со всеми техниками.
О работе:
– В Малаге у меня своя школа. Я даю уроки по всем техникам: графика, акварель, акрил, масло, пастель.
Прежде чем самостоятельно зарабатывать живописью, я работал в разных местах. Я всегда зарабатывал только для того, чтобы рисовать, мечтал, чтобы у меня была возможность заниматься только рисованием и никакой другой работой. Но прошло много лет, прежде чем так получилось. Нужно много работать, практиковаться, искать свой стиль, ведь художников очень много!
Несколько лет я работал в студии Disney, рисовал комиксы «Дональд Дак». На самом деле я всегда хотел просто рисовать, но эта работа была тоже очень полезна, ведь она учит рисунку. Теперь я занимаюсь тем, что провожу уроки, делаю выставки.
Об акварельной живописи Мигель говорил эмоционально и увлеченно:
– По прошествии времени я решил перейти к акварели. Если я выбираю какую-то технику, то занимаюсь только ею и уже не переключаюсь ни на что другое. Я пробую разную бумагу, кисточки, технику. Самое главное – это рисовать, рисовать и рисовать. С тех пор, как я начал заниматься акварелью, мне стали часто предлагать проводить курсы. Очень интересно, что это происходит именно с акварелью, у меня никогда такого не было, чтобы были так популярны курсы и картины!
Меня часто спрашивают: не хочу ли я снова заниматься маслом или акрилом? А я всегда говорю, что сейчас я занят акварелью. Но я человек свободный, не хочу, чтобы меня контролировала живопись, – это я ее контролирую! Живопись – это внутренний порыв, порыв сердца.
Акварель – это самая сложная техника, и ее нельзя покорить на 100 процентов. Для меня акварель – это всегда вызов, она непредсказуема. Те из вас, кто рисует акварелью, знают, что акварель сложно контролировать. Со всеми другими материалами – контроль 100 процентный, с акварелью – нет. Акварель – это самостоятельное существо, которое творит что-то свое на бумаге. Недавно в журнале опубликовали мое интервью, и статья называлась: «Miguel Linares Rios. Каждая акварель – это вызов». И эта фраза указана в моем каталоге к выставке.
Я думаю, самое худшее, что может случиться с художником – это, если он добьется того, чего ищет. Мы всегда ищем то, что нас идентифицирует, отличает от остальных, всегда находимся в поиске. Если ты нашел, то, что искал и успокоился, то на этом все заканчивается. Пабло Пикассо родился в тех же краях, что и я, и он тоже пробовал очень много стилей живописи в течение своей жизни. И я тоже так думаю: художник должен идти туда, куда его зовет сердце.
О выборе сюжетов:
– Я рисовал все. Когда хотел рисовать портреты, рисовал только портреты, чтобы научиться подбирать цвет кожи, передавать выражение лица. Рисовал также пейзажи, цветы, морскую тематику. Много лет я рисовал в точности то, что вижу, а теперь изображаю то, что чувствую, стараюсь передать в картинах что-то личное. Некоторые картины написаны по воображению. И еще одна черта, которая характеризует мои работы в последнее время – это то, что там обязательно что-то происходит (появляются кошки, собаки), и картина всегда кажется комиксом. Я стараюсь создать в картине историю, этому научила меня работа в Диснее. У меня есть интересные заголовки к картинам, в которые я добавляю немного юмора.
Например, вот эта картина называется «Четверо на один стул»:
А эта называется «Мы его обязательно найдем» (там спрятаны кошки):
Заголовок заставляет задуматься, что же происходит на картине? Я перерабатываю композицию, добавляю элементы, чтобы картина выглядела эффектней. Все начинается с рисунка. Для меня карандашный рисунок – это самое главное.
О рисунках, которые «не получились»:
– Прежде чем начинать работу, я стараюсь четко представить то, что хочу получить в результате. Конечно акварель такая сложная, что порой у вас не получается то, чего вы хотите добиться, и тогда приходится картину рвать и выбрасывать.
Сколько времени занимает написание картины:
– Я не могу делать картину за несколько раз, всегда за один. Всегда, всегда, всегда за один раз! Обычно за 3-4 часа. Ведь те, чувства, которые есть сегодня, завтра могут поменяться. Увидишь свою незаконченную картину по-другому, и диалог, который ты задумал, не состоится. Я предпочитаю закончить этот диалог сразу.
О формате картин:
– Обычно я использую два формата: 38х52см и 27х75см. Мне больше нравятся большие форматы, тогда цена очень сильно возрастает. Здесь присутствует практический подход в выборе размера. Мне нужно, чтобы работы продавались. Есть еще такая проблема: у покупателей картин столько картин, что их уже некуда вешать! Картина маленького размера и большого – это не одно и то же.
О выборе бумаги для рисования:
– Я работал на крупнозернистой бумаге ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY – но она слишком фактурная. Затем перешел на мелкозернистую бумагу тоже разных фирм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Поскольку мелкозернистая бумага сохла очень долго, я перешел к сатину. А сатин очень сложный, очень! И это стало для меня еще большим вызовом. Я рисовал разные темы, используя разные материалы, и все они мне поддавались, а эта бумага никак не хотела поддаваться. Но я продолжал и продолжал с ней работать. Целые рулоны сатина улетали, пока я ее не покорил и не создал свой язык, который мне понравился. Пробовал сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Сейчас я использую FABRIANO. Эта бумага никому не нравится, не знаю – почему. В художественном магазине в Малаге, где я покупаю материалы, такой бумаги нет, и я заказываю рулон только для себя. Эта бумага дает интересные эффекты.
О смачивании бумаги для акварели:
– Поскольку я покупаю бумагу в рулонах, нельзя просто отрезать кусочек и просто так поставить, ведь бумага получается изогнутой. Я смачиваю ее в душе, чтобы она выпрямилась и натягиваю на основу. Но сатин впитывает мало воды, а для работы мне всегда нужно, чтобы бумага была влажная. Я смачиваю частями те участки, на которых работаю. Очень трудно контролировать степень влажности бумаги и воду, которая есть в кисточке. Если и бумага очень влажная, и в кисточке много воды, то при вертикальной работе все потечет вниз. Чтобы это контролировать, нужна практика. Можно рисовать по-всякому, главное практиковаться. Я бы сейчас не смог работать горизонтально. Я знаю, насколько растечется краска, знаю, насколько влажная бумага, сколько воды на кисточке. Важно практиковать свой метод работы и тогда вы достигнете успеха. Нельзя встать с утра и сказать: теперь я гений. Нужно работать и научиться контролировать материалы.
О цветах:
– Я использую мало цветов. Конечно, цветов существует много, но у меня никогда не было денег, чтобы купить их все. Я покупал основные цвета и еще 2-3 дополнительных (сиена жженая, охра жженая) и научился делать из них любые цвета. Я советую пробовать делать свои цвета из основных, – это отличное упражнение! В моей палитре сейчас: белый, черный, неаполитанский желтый, желтый кармин, желтая охра, немного красного, кармин, кобальт, прусский синий, сиена натуральная, сепия.
О палитре:
– Раньше я использовал металлические палитры с двумя поверхностями для смешивания, на которые краска из тюбиков выдавливается в центр. Теперь у меня палитра с баночками, в них никогда не сохнет краска. Баночки расположены на краях палитры, а в центре место для смешивания. Такую палитру очень сложно найти. Эту я нашел в Брюсселе, она продавалась в хозяйственном магазине и предназначалась для того, чтобы раскрашивать фигурки. Для меня это спасение, потому что всегда есть готовая краска. Я пишу густыми слоями и мне обязательно нужная свежая краска.
Как вы видите, мои работы не такие прозрачные. Мне не нравится многослойная акварель, я предпочитаю один слой. Это не одно и то же: сделать темный цвет сразу или несколькими слоями. Если сделать тон за 5-6 слоев, получится грязно и слишком густо. Поэтому я сразу стараюсь набрать такое количество цвета, которое мне нужно.
О кистях:
– Вот эти кисти из ушного волоса я купил в мой первый приезд в Москву. И всегда, когда приезжаю, покупаю несколько штук. Здесь очень дешевые кисти, хорошая экономия! Конечно, существуют очень хорошие кисточки, очень дорогие, но самое главное – это не кисточка, а рука, практика. Нет плохих материалов, вопрос в практике. Мои работы сделаны этими кистями.
Я вам советую попробовать разные-разные кисти, просто, чтобы узнать, какие они, сравнить. Когда у меня появились деньги, я купил много кисточек. У меня в студии большая банка с большим количеством кистей: плоские, круглые, кошачий язык, щетина, из ушного волоса быка, колонок, белка, соболь. Но эффективнее та кисть, которой ты работаешь чаще всего. В моих кистях мне нравится, что их нельзя контролировать, линии нечеткие. Ими можно делать и линию, и форму. Это не просто, но меня как раз и привлекает эта сложность. И работы получаются танцующими, в движении. Картина выдает что-то свое, отличное от того, что я в нее вкладываю. Это диалог – диалог изображения, бумаги, красок, кистей и художника.
О производителях акварели:
– Я пробовал акварель разных фирм. Когда я только начинал рисовать акварелью, я не знал ни про SENNELIER, ни про WINSOR&NEWTON. Сейчас я использую REMBRANDT и уже привык к тому, какие тут цвета. У REMBRANDT такая сепия, которой нет у других производителей, ни у SCHMINCKE, ни WINSOR&NEWTON. Я не знаю, лучше это или хуже, а мне нравится. Иногда мне дарят другие краски, но они у меня лежат в коробке, и я их не использую. По мере работы ты находишь свою собственную палитру. Сегодня мне не нравятся холодные серые оттенки, а что будет завтра – я не знаю. И я использую только определенные цвета – это тоже отличительная черта моих работ. Нужно работать, экспериментировать, пробовать один цвет, другой, смотреть, как он будет вписываться в палитру. Но самое главное – это практика. По крайней мере, у меня было так.
О набросках:
– Для меня самое главное во всех техниках – это набросок. Многие люди не придают значения наброску. Но набросок – это не только контуры, а еще и расположение объектов, тон композиции – это все я фиксирую в наброске. Я всегда-всегда делаю наброски. Хотя многие этого не делают.
Об использовании маскирующей жидкости:
– В первых картинах я ее использовал. Но вообще-то мне нравятся мягкие границы, а маскирующая жидкость дает очень четкие границы. Если у вас такой стиль, когда все линии очень четкие, то это не проблема. Представьте, что в моей картине, где все такое мягкое и перетекающее, вдруг появятся четкие границы. Конечно, очень удобно закрыть это все маскирующей жидкостью. Но на этой картине сначала я нарисовал лодки, а потом воду. Это очень сложно.
Иногда закрываю участки бумажным скотчем. Но, когда я поверх него уже нарисовал, то сразу его снимаю, до того, как высохнет. Тогда не остается такая четкая граница.
Оставляете ли вы белую бумагу?
– Да, мне нравится оставлять белую бумагу – это классическая техника акварели. Но я также использую и белила, и неаполитанский желтый, это очень кроющие краски. Не вижу в этом никакой проблемы. Самое главное – это результат. Я не использую ни гуашь, ни акрил, только китайские акварельные белила. И не используйте слишком много краски, тогда это уже будет не акварель. Тогда нужно рисовать маслом, акрилом или темперой. Акварель должна быть прозрачной, в этом ее отличие от других техник.
Когда вы учились, вы делали копии с картин великих художников?
– Копии делать интересно, это помогает понять, как сделана картина. 20 с лишним лет назад я копировал Моне пастелью. Еще копировал Веласкеса, мне нравятся его картины, они очень воздушные.
О поиске своего стиля:
– Как я уже сказал ранее, самое худшее – остановиться, когда ты нашел то, что искал. Я еще не нашел и никогда не прекращу поиск. Сейчас я делаю так, но может, через три месяца я все поменяю – и цвета, и технику, и сюжет. Ничего не определено. Я пробовал много техник, много стилей самыми разными материалами, и это сформировало меня как художника. Пикассо сказал, что художник никогда не находит, а всегда ищет. Когда ты что-то находишь, это не конец пути.
Три года я рисовал пастелью, но наступил такой момент, когда я понял, что копирую самого себя. Тогда я перешел к другим материалам. Мои картины в стиле гиперреализма очень хорошо продавались, но все равно я перестал этим заниматься. Я могу все поменять, даже если нет денег, чтобы покупать материалы. Друзья говорили: «Как так можно? Картины хорошо продаются, зачем что-то менять?» Но важно быть честным самим с собой. Если мне не нравится то, что я делаю, то я не буду это делать.
О работе в студии и на пленэрах:
– Для своих работ я люблю использовать фото. Основная тема моих работ – городские пейзажи. Конечно, сейчас я могу и без фото нарисовать всю картину. Фото – это фиксированный образ, на фото сильно упрощаются тона, изменяются тени. Если конечно его сделал не профессиональный фотограф, который хорошо умеет работать с камерой. Но фото я могу преобразовать, сделать что-то более естественное, поскольку я уже много рисовал с натуры. Например, если сделать фото в солнечный день, тени на фото будут намного темнее, чем в реальности. Поэтому мой совет: если вы рисуете по фото, делайте тени светлее.
Мне нравится рисовать с натуры. Получается совсем другая работа, не такая как в студии. Я всегда стараюсь рисовать в студии так, как будто я рисую с натуры, чтобы работы были такими же свежими. Когда рисуешь на пленэре, времени мало, приходится все упрощать, нужно успеть выразить все, что ты хочешь за очень короткое время. Я рисую в студии точно так же, как, если бы рисовал на пленэре. Я не располагаюсь с комфортом, использую ту же палитру, работаю стоя.
Вообще, рисовать на пленэре мне нравится больше. Природа очень сильно влияет, когда рисуешь с натуры. И ты рисуешь то, что ты видишь. На природе я тоже всегда делаю наброски, пытаюсь создать свою собственную картину, немного отталкиваясь от того, что вижу. Рисунки на пленэрах более искренние. В студии конечно удобно, нет ветра, но я рисовал и под дождем, и в туман, – это сложно, это вызов.
Вам нравится в России?
– Я знаю только Москву. Именно в Москве я почувствовал, что мои работы ценятся. Я вижу, что люди заинтересованы в моей работе, и все ученики, которые приходят на мастер-классы, очень старательные. Этой вашей чертой я восхищаюсь. Когда я провожу мастер-классы в других странах, во Франции, в Испании, проблема в том, что большинство не владеет техникой акварели. А здесь обычно приходят люди, которые владеют техникой. Когда я объясняю, что для рисования по влажной бумаге нужно взять много краски, чтобы было много воды, меня понимают. Этого нет на других мастер-классах. И самое главное – всем интересно, видно, что людям нравится учиться, узнавать, как сделать то или это. Я вижу, что многим не нравится делать наброски, но все стараются делать.
Вы в Москве были на пленэрах?
– Сегодня был отличный день для этого. Отличная погода. Были на Крутицком подворье. Отличный свет был, красивая церковь, цвет стен. Но, когда холодно и дождь, это сложно. Мне бы очень хотелось поставить мольберт на окно и рисовать город.
Сегодня я просто делал фото, как турист. Потом в студии посмотрю, что можно с этим сделать. Преимущество студии в том, что можно сесть и спокойно искать что-то свое.
Как в семье относятся к тому, что человек выбрал творческую профессию, стал художником, не критикуют ли?
– У моих родителей очень либеральное мышление. Они всегда уважали то, чем я хотел заниматься. Отец говорил, что всегда нужно работать без начальства. У него не было шефа, он работал на себя. Сложно, но зато у меня нет начальника. Отец никогда не рисовал, не занимался живописью, но он передал мне этот дух свободы, бунтарства. Моему дедушке очень нравилась музыка, он сочинял произведения на скрипке и на гитаре. К сожалению, я его не знал. У меня есть брат, и он тоже свободный творец, как я, но он музыкант. У него тоже не было денег на инструменты, на обучение, но он брал инструмент и за 10 минут его осваивал. Так же как я в живописи, – он в музыке.
А хотели бы вы съездить в какую-нибудь другую страну на пленэр?
– Новый город – это всегда новые впечатления, новый свет, новые изображения. Для художника это всегда новый опыт и новые картины. Поэтому новое место для меня обогащает мой опыт. Путешествовать мне не очень нравится, но, когда путешествую, меня это всегда завораживает. Я вижу другие цвета. Посещение новых городов многое мне дает. Все в путь!
Вы пишете на заказ работы, которые вам не нравятся?
– Когда у меня не было денег, я ездил туда, где многие художники рисуют и продают свои работы. А сейчас, если клиенты приходят в мою студию, я показываю то, что уже есть. Если им что-то нравится, они покупают. Но, если бы мне понадобилось рисовать на улице портреты людей, я бы это сделал. Меня это никак не задевает. Я из очень простой семьи. Если мне нужно брать заказы, я буду это делать. Но сейчас мне это не нужно.
Мигель Линарес Риос (Miguel Linares Rios) - испанский художник из Малаги.
Член Ассоциации Художников Малаги (APLAMA)
Член группы "VIVELARTE", лауреат испанских и международных конкурсов и премий в области изобразительного искусства. Участник многочисленных художественных ярмарок и выставок современной живописи. С 1995-го по 2001-й Мигель работал для компании Disney.
https://www.facebook.com/mlinaresrios.art/
Вернуться в «Обзоры, советы уроки»